Policleto - Escultor del Período Clásico

La Carrera de Policleto

Policleto es, con pocos años menos, contemporáneo de Mirón, y no hay una fecha cierta de cuando comienza su carrera.

Se sabe que ha esculpido una estatua de marfil y oro de la diosa para el templo de Hera, en Argos, que ha sido reconstruida después del incendio del 423. Es probable que esta obra, sea una de sus últimas producciones. 

La primera estatua de Policleto, de la cual se posee réplica, es decir, la más antigua, no puede ser anterior al 460.

Estas dos fecha, 460 y 420 marcan los límites de la actividad de Policleto. Este período de cuarenta años, corresponde totalmente al período clásico por excelencia, "El Siglo de Pericles".

Policleto nació en Sicione, e hizo su educación en los talleres de Argos. Se vuelve ciudadano de esta gran ciudad dórica; centro de arte más importante del Peleponeso, y sin duda, de toda Grecia, por sus estatuas y especialmente por la técnica en bronce.

En los años que siguen al 432, el gran escultor vive en Atenas. Ejecuta el retrato de uno de los principales colaboradores de Pericles, el Ingeniero Artemon; casi al mismo tiempo, Cresilas, artista originario de Creta, esculpe la figura del mismo Pericles. Así, cuando se terminan bajo la dirección de Fidias los trabajos del Partenón, todas las glorias artísticas de Grecia, se encontraban reunidas en la capital intelectual del mundo griego.

El Canon de Policleto

Toda la obra de Policleto indica una continuidad de la línea, quizás única en la historia del arte, y nada nos hace comprender mejor el poder de la voluntad dórica y el rol que ella ha jugado en la constitución del helenismo. El arte de Policleto es esencialmente impersonal: su originalidad es precisamente, el haber transformado la individualidad para dar al ideal griego clásico, la imagen más entendible. 

Policleto ha tomado un solo modelo que no ha cesado de reproducir y de perfeccionar: el ha puesto todo su esfuerzo al tipo viril desnudo.

Escultura Griega del Siglo IV A.C.

El siglo IV A.C. es llamado "segundo clasicismo", fue una época dedicada al sentimiento. Cuando la ciudad perdió su preponderancia, el pueblo se sumió en las alegrías y pesares de la vida privada. El arte reflejó el nuevo espíritu. Grecia produjo aún algunos de sus más grandes artistas y algunas de sus obras más famosas. Los más destacados de este período fueron: Scopas, Praxíteles y Lisipo.

Scopas creó una fórmula no totalmente alejada del clasicismo, pero en la muestra el desencadenamiento de ciertos sentimientos pasionales. También cultivó las expresiones faciales y mostró la tensión y exitación sicológica.

Praxíteles retomó el ideal de belleza de acuerdo a modelos platónicos. La estructura y expresividad de sus figuras es muy diferente a las del siglo V. Alargó las proporciones, esculpió formas suaves y líneas dulces evidenciando un ritmo ondulante. Entre sus obras más conocidas se pueden citar: "El Apolo Saucrótono", "El Hermes de Olimpia" y diversas afroditas.

Hermes con Dionisos niño - Praxíteles

"Hermes con Dionisos niño" es tal vez la única obra original que subsiste del maestro escultor ateniense Praxíteles, considerado uno de los artistas más importantes de su tiempo. Esta obra, realizada en mármol, posee un refinamiento técnico raras veces superado antes del período helenístico. La belleza clásica idealizada y las proporciones de la figura de Hermes se realzan por el efecto de una airosa línea curva ascendente debida al gesto del dios en el momento de ofrecer juguetonamente un racimo de uvas al nño-dios Dionisos. Esta estatua fue hallada, en 1875, en el interior del templo de Hera, en Olimpia.

Lisipo modificó las proporciones del cuerpo masculina al reducir las cabezas, adelgazar los torsos y alargar las piernas. Representó atletas como su escultura más famosa: "El Aproximeno".

Aproximeno - Obra de Lisipo

Lisipo se mueve temáticamente en el ámbito de la tradición clásica: figuras humanas, erguidas y desnudas, dioses y efebos, gimnastas, tipos hercúleos que recuerdan obviamente a Policleto. aporta mayor naturalismo en las formas, aunque muy idealizadas,

Recibe la influencia de de Fidias con su idealismo glorioso, de Praxíteles con su mórbida sensualidad y de Escopas con su obsesión trágica, convirtiéndose en el maestro del naturalismo, elemento básico del futuro helenismo.

Escultura Griega en el Período Clásico

El segundo cuarto del siglo V es el comienzo de la llamada época clásica. Tras un esfuerzo sostenido durante más de un siglo el escultor griego había alcanzado plano conocimiento de la compleja estructura de la figura humana y era capaz de representarla como un todo coordinado.

En este período se dio un giro a la parte superior del cuerpo, a menudo en dirección opuesta a la de la pelvis, consiguiéndose con ello un sentido del movimiento y de ágil equilibrio.

El peso de la figura se desplaza en forma audaz sobre una solo pierna, mostrándose con gran habilidad la asimetría resultante de ello. Tanto el eje de la figura como la columna vertebral se inclinan hacia un lado. Los hombros, caderas y rodillas no están ya en un plano horizontal sino que se inclinan hacia arriba y hacia abajo en ritmo alternante. La cabeza se gira también ligeramente y los ojos y la boca dejan de trazarse siguiendo una estricta línea horizontal.

En este período puede notarse también un nuevo interés en reflejar la emoción no sólo en la actitud de las figuras, como se había hecho hasta ahora, sino también en el rostro. Así ocasionalmente se ve el dolor, la sorpresa, el miedo y el entusiasmo mostrados en un estilo de notable realismo. Comienza también el retrato individualizado. 

Durante esta época tuvo lugar un importante desarrollo en el tratamiento del drapeado. Los pliegues en lugar de disponerse según un esquema preconcebido, toman ahora formas más naturales. 

El Trono Ludovisi, de transición entre los períodos arcaico y clásico, se destaca por la fina calidad de su modelado, sobre todo en el efecto dado al cabello mojado y a los pliegues de la ropa ceñida al cuerpo que sale del agua. En otro tiempo perteneciente a la colección de un cardenal romano, se ignora su origen y su empleo, aunque tal vez formara parte de un altar. Obra maestra de un desconocido artista jónico, representa el nacimiento de Afrodita surgiendo del mar y asistida por dos ninfas.

Trono Ludovisi

También se produjo un cambio en el tratamiento del pelo. En las figuras masculinas se muestra ahora corto, con rizos espirales enmarcando la frente y las sienes, o bien recogido pero en bucles o recogido detrás de la cabeza.

Un notable relieve votivo de este período (460 A.C.) es la famosa "Atenea Pensativa" de la Acrópolis de Atenas, de pequeño tamaño.

Atenea Pensativa - Grecia

Según los escritores antiguos, los escultores más importantes de este período fueron:

• Calamis
• Pitágoras
• Mirón

pudiendo atribuirse con certeza estatuas hoy existentes tan sólo a este último. Una de ellas es su "Discóbolo", cuya reconstrucción permite dar una impresión viva de la acción, a la vez que satisface la necesidad de armonía y equilibrio.

El Discobolo de Miron

En las esculturas del Partenón puede observarse cierta evolución, particularmente aparente en el tratamiento del drapeado de las metopas, el friso y las estatuas del pedimento. Los pliegues se multiplican gradualmente, haciéndose más matizos y transparentes, y sobre todo, ganando en profundidad. 

El tema representado en las metopas del friso del Partenón, la lucha entre los lapitas (pueblo de Tesalia) y los centauros en las bodas del rey lapita Piritoo, simboliza el triunfo del orden y la civilización sobre la barbarie. Este motivo se repetía con mucha frecuencia en el arte griego del primer período clásico.

Otro importante escultor de este período fue Policleto de Argos. Las figuras de Policleto constituyen el momento culminante de la prolongada lucha del artista griego por alcanzar las formas naturalistas. 

Policleto ha escrito un libro sobre la proporción, llamado "El Canon", que, de haberse conservado, hubiera dado a conocer más detalles acerca de los principios que gobernaban la rítmica composición de sus figuras.

El Canon de Policleto

Ideas Religiosas de los Griegos

Las ideas religiosas de los griegos primitivos se manifestaron en el Culto de los Antepasados y el Culto de los Grandes Dioses. 

El Culto de los Antepasados se basaba en la creencia de que los muertos mantenían una segunda vida en sus tumbas, por lo que era necesario darles sepultura y ofrecerles alimentos. 

El Culto de los Grandes Dioses generó una religión, común a todos los griegos, caracterizada por ser politeísta y antropomórfica. Era politeísta porque establecía la adoración de muchos dioses y diosas como Zeus, Hera, Atenea o Apolo.

Era antopomórfica porque dio a esos dioses forma humana. La humanización fue completa pues no sólo representaron a los dioses con las formas físicas más perfectas y bellas de los hombres y mujeres, sino que, además, les atribuyeron sus mismos sentimientos, pasiones e intereses.

Los Grandes Dioses encarnaban una fuerza de la naturaleza o una cualidad del espíritu humano.

Para obtener la ayuda de los dioses se les construían templos y se les ofrecían ceremonias, ofrendas y sacrificios de animales. El templo era la casa de un dios, en él estaba su estatua y las ofrendas, a menuda de gran valor, que había recibido. Las ceremonias del culto se realizaban en el exterior, en un espacio ubicado frente al templo. 

Las ceremonias se realizaban por medio de ofrendas y plegarias. Las ofrendas podían consistir en vino, frutas, miel o en el sacrificio sangriento de un buey, un cordero o un cerdo.

Las ciudades-estado solían hacer solemnes festivales religiosos en honor de su deidad predilecta. Las fiestas religiosas se realizaban en los Santuarios que eran lugares donde además de los templos, habían altares, terrazas, galerías, teatros, estadios e hipódromos. Las más populares de estas fiestas religiosas, eran las Panateneas y las Dionisíacas que se realizaban en Atenas. 

Las Panateneas se realizaban todos los años en honor de Atenea y los actos se prolongaban durante seis días. Las fiestas terminaban con una gran procesión  formada por todos los habitantes de la ciudad que subían hasta el templo de la diosa llevando ofrendas.

Las Dionisíacas se realizaban en honor de Dionisos festejando el resurgir de la naturaleza y la vendimia.

Escultura Griega en el Período Arcaico

En la segunda mitad del siglo VII A.C., surgió en Grecia la escultura monumental en piedra. La representación de la figura humana en piedra tuvo influencia egipcia.

Las estatuas arcaicas se ejecutaron en piedra, mármol y bronce; estos dos últimos materiales recién se utilizaron a partir del siglo VI A.C.

El tema fundamental de la escultura arcaica es el ser humano joven y hermoso. Los escultores se preocuparon desde un principio, de comunicar la belleza del cuerpo. El principal tipo que adoptaron era el de un joven en pie ("Kouros") en actitud estrictamente frontal, con el pie izquierdo ligeramente avanzado, los brazos generalmente muy pegados a los costados, a veces doblados por los codos, y las manos cerradas, con la piedra sobrante en su interior sin tallar, o apretadas contra el cuerpo. 

Kouros - Grecia

Era la misma concepción usada en Egipto; sin embargo, una diferencia importante consiste en que, mientras las estatuas de piedra egipcias generalmente tenían un pilar de soporte en la parte posterior y llevaban como mínimo un taparrabos; el "kouros" griego se representaba sin soporte alguno y completamente desnudo.

El Apolo Strangford (del nombre de su anterior propietario, Lord Strangford), es un ejemplo excepcional de la escultura de finales de la época arcaica a principios del período clásico, marca la consumación de una evolución de más de un siglo en la escultura del "Kuros". La primitiva rigidez y el formalismo del estilo dieron lugar a una creciente aplicación y observancia del conocimiento anatómico del cuerpo humano.

Apolo Strangford

Para representar una figura en movimiento rápido, o sea volando o corriendo, los griegos inventaron una postura convencional, con las rodillas semiflexionadas, una de ellas sobre el suelo o cerca de él y la otra ligeramente doblada y con los brazos extendidos a los lados, hacia arriba o hacia abajo. 

Tanto en estas figuras como en las semiyacentes, la parte superior del torso se vuelve hacia el espectador, mientras que las piernas se ven de lado, produciendo una marcada contorción de la cintura. Para representar este giramiento del cuerpo el artista griego adoptaba la fórmula oriental, mostrando la parte superior del cuerpo totalmente de frente, las piernas de perfil y la cintura casi siempre cubierta con un lienzo.

Las figuras talladas en resplandeciente mármol blanco, constituyen un buen ejemplo de la primitiva escultura griega. Todas siguen un modelo parecido que pone de manifiesto su proximidad al bloque de piedra cuadrangular. 

• La cabeza es cúbica, con los rasgos (ojos, boca y oídos) estilizados, tallados en bajorrelieve. El cuerpo tiene cuatro lados. 
• La columna vertebral es casi completamente recta. La parte más saliente de la espalda está más arriba que la del pecho. 
• El antebrazo está vuelto hacia arriba mientras que el puño, cerrado, se gira hacia el cuerpo. Surcos, protuberancias y abultamientos sirven para indicar los detalles anatómicos en la superficie del bloque. 
• El músculo abdominal tiene tres o más divisiones transversales encima del ombligo, en lugar de las dos que se ven en el natural. No hay protuberancia alguna en las caderas y las rodillas, muestran el esquema más o menos simétrico característico de Egipto. 
• Los tobillos son completamente verticales. 
• Los pies están firmemente clavados en el suelo; sus dedos son largos, a menudo inclinados hacia abajo, con las patas decrecientes, formando una curva continua. 

Las figuras femeninas se yerguen en rígida postura frontal, envueltas en lienzos prácticamente sin pliegues.

La Escultura Griega

La mayoría de las estatuas griegas eran de carácter religioso, por lo menos en los primeros tiempos. Algunas se empleaban en la decoración de los templos, como por ejemplo en los pedimentos, los frisos y las acróteras, otras como estatuas para el culto en el interior de la naos y oras en los monumentos votivos erigidos en los santuarios.

La mayoría de las esculturas griegas que se han conservado en su estado original son de carácter arquitectónico.

La escultura conmemorativa representó también un papel importante. Una victoria decisiva podía celebrarse con la erección de una estatua  como en el triunfo de una competición atlética, donde se realizaba una estatua del vencedor. O cuando se firmaba un tratado entre dos ciudades se realizaba la erección de una estela.

Materiales usados por los griegos

Los principales materiales utilizados por los griegos para la escultura eran la piedra (la caliza y el mármol), el bronce, la terracota, la madera, una combinación de marfil y oro, y ocasionalmente, el hierro. Las que se han conservado son generalmente de piedra. La madera se desintegró en el clima húmedo de Grecia, el oro y el marfil eran demasiado valiosos para conservarse intactos, el bronces se fundió en casos de emergencia y el hierro se ha corroído.

En los primeros tiempos, las esculturas de piedra se hicieron siempre en cincel. Las herramientas básicas usadas por los griegos fueron el punzón o puntero, el buril y los diversos cinceles (la uña, el desbastador, el cincel plano y la gubia), todos ellos manejados junto con la maceta.

Cada escultura de piedra, ya sea de caliza o de mármol, se pintaba total o parcialmente. Una de las características habituales de los griegos era añadir accesorios de diversos materiales. A veces se incrustaban ojos hechos de piedra de colores, vidrio o marfil, o se añadan rizos, diademas y coronas de metal e incluso pendientes y collares, como también lanzas de metal, espadas, riendas y brindas.

El bronce fue el metal favorito para la estatuaria durante la historia de Grecia. Las más antiguas esculturas de bronce eran solo chapadas, hechas con láminas de bronce martillado soldadas sobre un núcleo de madera.

Etapas del Arte Griego

El arte griego se puede dividir en cuatro etapas, que son:

• La Geométrica
• La Arcaica
• La Clásica
• La Helenística

La Etapa Geométrica ( 900-700 A.C.)

Esta etapa se caracteriza a través de la cerámica y de la escultura en pequeña escala. La escultura se limita a figurillas pequeñas en marfil, bronce o tierra cocida.  Las cerámicas más famosas y artísticamente más valiosas han sido encontradas en Atenas.

Es una etapa de puntos y líneas, siendo la línea el valor compositivo fundamental. Los motivos se pintaban con negro, destacándose sobre el fondo natural de la tierra cocida. Esta técnica incluye en Oriente. 

Más adelante, en esta etapa, se pasa a pintar figuras humanas, las cuales aparecen sin vestimenta.

La Etapa Arcaica (700-480 A.C.)

Fue en esta etapa que se creó la arquitectura monumental en piedra; surgió el templo. Y además se crearon los órdenes dórico y jónico.

Los Kuros y las Kore - Grecia

El color fue un elemento importante desde esta etapa. Los colores eran empleados para acentuar en forma intensa las molduras y para subrayar la función de los diversos elementos, que gracias a los colores, se tornaban más nítidos.

Surge también la escultura en piedra, mármol y bronce. La escultura estaba íntimamente relacionada con la religión y además con el deporte. El deporte tuvo importancia en este arte, porque plasmaban la perfección del cuerpo de los jóvenes atletas. 

Se crean los "Kuros", jóvenes desnudos, y las "kore", mujeres envueltas en telas blancas. Las estatuas estaban calculadas para ser vistas de un sólo punto de vista: el frente.

La preocupación fundamental de los escultores era la nitidez de la línea y la perfección de la ejecución.

La Etapa Clásica (480-323 A.C.)

El arte clásico era intensamente humanista y el hombre era la medida de todas las cosas. En esta etapa comienzan los arquitectos y el templo que más se destaca es el Partenón.

Surge también la arquitectura civil; se comienza con la conquista de los volúmenes interiores. Empieza a desarrollarse el urbanismo. El primer urbanista fue Hipodamos de Mileto.

Hipodamos de Mileto - Arquitecto Griego

En este período surge el interés por reflejar la emoción, como el dolor, la sorpresa, el miedo y el entusiasmo. Surge el naturalismo, las esculturas están llenas de idealización. Comienza el retrato individualizado.

La Etapa Helenística (323-31 A.C.)

La arquitectura pública fue cada vez más grandiosa. Se construyeron bibliotecas, estadios, casas de la moneda, gimnasios, teatros, etc. El orden jónico se antepuso en general al severo orden dórico, al tiempo que por primera vez se empleaba el orden corintio para el exterior de los edificios.

Capitel Corintio - Grecia

En la escultura, las representaciones de hombres predominaban sobre la de los dioses, y el primitivo carácter religioso y mitológico del arte griego fue sustituido por la precisión de las imágenes. 

Al final de este período helenístico se observa una tendencia a copiar las obras del período clásico e incluso del arcaico.